El rock''n''roll irrumpió en el cine como la manifestación más concreta de cierta juventud "mal encaminada", invariablemente corregida (o castigada) a través de retorcidas moralejas. Pero en cuestión de pocos años quedó claro que había llegado para quedarse y no sólo fue la mejor banda sonora posible para miles de films, sino que originó todo un subgénero de obras hechas en función de sus más exitosos representantes.
Durante noviembre, malba.cine exhibe una selección de films con Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, Cream, Frank Zappa, U2, Sonic Youth y The Who, así como otros títulos que sin ser estrictamente musicales, comparten una actitud con el mejor rock''n''roll.
Lista de películas
El rock de la cárcel (Jailhouse Rock, EUA-1957) de Richard Torpe, c/Elvis Presley, Judy Tyler, Vaughn Taylor, Dean Jones. 96’.
No fue la primera película de Elvis, pero sí la que estableció una imagen de joven violento y pendenciero que tuvo su impacto, aunque no se prolongó después en otros films que prefirieron pasteurizar ese personaje. En cambio, en El rock de la cárcel el Rey mata a trompadas a un señor, va preso, maltrata chicas y mantiene una actitud persistentemente desagradable hasta la necesaria redención final. Atento al público femenino, el realizador aprovecha cualquier excusa para dejar a Elvis sin camisa. Se supone que el número principal del film fue concebido y coreografiado por el ídolo. Se estrenó en Argentina con el título “Prisionero del rock”.
Anochecer de un día agitado (A Hard Day’s Night, Gran Bretaña-1964) de Richard Lester, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Wilfrid Bramwell, Norman Rossiter, Victor Spinetti. 87’.
El lado más alegre del Swinging London surgió aquí en toda su plenitud y Lester demostró que hacer algo original con una banda de rock & roll era posible. Imágenes de apariencia documental se combinan con otras decididamente experimentales que anticipan el concepto de los modernos videoclips. El film fue además un óptimo vehículo para el sentido del humor de los Beatles, a quienes la crítica comparó entonces con el de los Hermanos Marx. Aunque parezca difícil de creer, en Argentina se estrenó con el título Yeah, yeah, yeah.
Pajarito Gómez (Argentina, 1965), de Rodolfo Kuhn, c/Héctor Pellegrini, María Cristina Laurenz, Lautaro Murúa, Nelly Beltrán, Maurice Jouvet, Alberto Fernández de Rosa, Beatriz Matar, Federico Luppi. 83’.
Luego de realizar dos largometrajes emblemáticos de la llamada Generación del 60 (Los jóvenes viejos y Los inconstantes), el director argentino Rodolfo Kuhn (1934-1987) conoció al poeta Francisco “Paco” Urondo y al humorista Carlos Peralta (uno de los creadores de la revista Tía Vicenta) y escribió con ellos Pajarito Gómez, el primer film argentino que se atrevió a atacar directamente a la sociedad de consumo. El catalizador fue la figura de un cantante “nuevaolero” modelado sin disimulos sobre Palito Ortega, que en 1965 se encontraba en el apogeo de su fama.
Todos los recursos formales del film están puestos en función de la sátira, que empieza con el joven cantante y el negocio que lo sostiene, pero se extiende hacia los medios masivos de comunicación: las revistas, las fotonovelas, la radio y sobre todo la TV, medio que Kuhn conocía a fondo y sobre el que ironizaba desde su primer film. El relato rompe con la forma narrativa convencional y acumula episodios sobre la vida cotidiana del ídolo y su entorno, adoptando la forma específica de cada medio de comunicación. Parte esencial de la eficacia del film es la precisión y agudeza con que los músicos Oscar y Jorge López Ruiz imitaron el tipo de canciones pop del período. La escena final, que oscila entre el surrealismo y la desesperación, se cuenta entre las más conmovedoras de la historia del cine argentino.
Los negativos de Pajarito Gómez estuvieron a punto de perderse y fueron rescatados entre 2001 y 2005 por la Asociación de Apoyo al Patrimonio Audiovisual (APROCINAIN). Se exhibe copia nueva gestionada por Malba, con la colaboración de las empresas Kodak y Cinecolor.
Gira mágica y misteriosa (Magical Mystery Tour, Gran Bretaña-1967) de The Beatles, c/John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Jan Carson, Jessie Robins, Victor Spinetti. 55’.
Ideado y realizado en forma independiente por los Beatles para ser emitido por la TV, este film fue visto en su momento como un fracaso incomprensible. Los años transcurridos le han dado un valor documental imprevisto, ya que muestra al grupo con una honestidad que sus films previos no se habían permitido. También se ha vuelto más evidente su carácter de obra experimental y pionera de la psicodelia, más próxima al cine de Andy Warhol que al de Richard Lester.
Los Monkees (EUA, 1967)
Programa de television – tres episodios. 90’
Doblada al castellano.
The Monkees irrumpió en la TV inspirada en el éxito de Anochecer de un día agitado de Richard Lester con los Beatles. Los resultados podrían haber sido catastróficos, pero el casting para integrar el grupo resultó muy inspirado. El humor surrealista y una estructura narrativa libre, que anticipaba la psicodelia, caracterizaron el estilo de la serie. The Monkees sobrevivió con éxito durante dos temporadas en TV, pasó al cine con un excelente largometraje (Head) y luego se independizó de su creador (Bob Rafelson) y siguió haciendo música alternativamente hasta nuestros días.
Submarino amarillo (Yellow Submarine, Gran Bretaña, 1968) de George Dunning. 85’. Largometraje de dibujos animados.
Los Beatles parten al rescate de Pepperland, lejana tierra arrasada por la invasión antimusical de los perversos Blue Meanies. Inspirado en música y letras del cuarteto de Liverpool, el film contó con diseños originales de Heinz Edelmann, de enorme influencia posterior en la gráfica y la publicidad.
Maryjane (Maryjane, EUA, 1968) de Maury Dexter, c/Fabian, Diane McBain, Kevin Coughlin, Michael Margotta. 95’.
El mismo año en que Sonny Bono se despachaba desde el corto educativo Marijuana con un increíble alegato antiporro (increíble porque sus ojos al rojo vivo dicen justo lo contrario de su discurso), otro cantante, la estrella juvenil Fabian, aparecía como el profesor cool pero no-tan-hippie que media entre el director del colegio y los rebeldes con causa (la verde hierba, cuál otra) en esta ficción. Pero más allá de lo inofensivos que lucen hoy sus pandilleros supuestamente temibles, esta producción de la American International Pictures –famosa por sus films clase B para adolescentes y por producir el “ciclo Poe” de Corman– sorprende con un guión efectivo, diálogos sensatos y decisiones cinematográficas inteligentes, y vuela bien lejos del sensacionalismo tan usual en la drugxploitation.
Stones en el parque (Stones in the Park, Gran Bretaña-1969) de Leslie Woodhead, c/Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, Charlie Watts, Bill Wyman. 53’.
Registro del concierto que los Stones ofrecieron gratis en el Hyde Park de Londres, el 5 de julio de 1969, dos días después de la muerte de Brian Jones. Además de la música, es memorable la explicación que ofrece Jagger sobre la conveniencia económica de realizar recitales de este tipo.
Cream’s Farewell Concert (Gran Bretaña / EUA, 1969) de Sandy Oliveri y Tony Palmer, c/Cream (Eric Clapton, Ginger Baker, Jack Bruce). 90’. Música.
En sólo dos años, y hace ya cuarenta, Cream atravesó la escena del rock británico como un tornado. Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker ya eran conocidos por separado cuando formaron el primer “supergrupo”, imponiendo el trío como formación (ejemplo rápidamente seguido por Hendrix) y las largas improvisaciones instrumentales, reflejo de unos egos francamente desatados. Se despidieron en julio de 1968 con un concierto en el Royal Albert Hall londinense, capturado en esta película.
Los músicos muestran todo su potencial en escena gracias a una novedad de entonces: el sonido sincrónico en exteriores, que disparó una ola de títulos similares y terminó imponiendo el documental de concierto como género. Una voz en off presenta al grupo con un tono decididamente anacrónico, y el repaso de hits como “White Room” y “Sunshine of Your Love” se combina con cándidas entrevistas a los músicos. A lo largo de los años, Farewell Concert fue mutilado de distintas maneras para ocasionales pases televisivos. Aquí se lo presenta en fílmico y en su versión completa.
Fernando Chiappussi
Melody (Ídem., Gran Bretaña-1971) de Waris Hussein, c/Tracy Hyde, Mark Lester, Jack Wilde, Roy Kinnear. 107’.
Dos niños se enamoran por primera vez, pese a las diferencias de clase, a la disciplina represiva del colegio y a las convenciones sociales. El film, escrito por Alan Parker, tiene una legendaria banda sonora con temas de los Bee Gees, Richard Hewson y Crosby, Still, Nash & Young.
200 Motels (EUA, 1971) de Frank Zappa
En 1971 y con el renuente apoyo de United Artists, Zappa filmó en una semana esta delirante mezcla de musical, ópera-rock y sitcom que transmite con fidelidad el estado catatónico de cualquier banda de rock en ruta. Rodada en videotape para ahorrar costos, la producción sufrió la deserción del director Tony Palmer y Zappa tuvo que asumir él mismo la dirección y el montaje, además de conducir a la banda y a una orquesta contratada para ejecutar música adicional (y que terminó boicoteando la grabación).
De alguna manera estaban todos replicando la situación pesadillesca de la ficción, la de una banda en gira donde cada etapa es igual a la siguiente: hotel, concierto, búsqueda de groupies y discusiones internas. La banda son los Mothers of Invention y el papel de Zappa es interpretado por Ringo Starr. Keith Moon también anda por allí, haciendo de una monja metida a groupie. Absurda y ocurrente, 200 Motels es sin embargo considerada “realista” por los músicos, como sucedería después con This is Spinal Tap.
The Rocky Horror Picture Show (Inglaterra, 1975) de Jim Sharman, c/Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien, Jonathan Adams. 100’.
La obra musical de Richard O’Brien, potenciada en el film, tomaba reconocibles lugares comunes del cine de terror para hacer saltar por los aires los arquetípicos de género. Buena parte del éxito de la obra y del film se debieron a la actuación antológica de Tim Curry como el científico bisexual Frank-N-Furter. El tiempo y el público lo transformaron, espontáneamente, en el film de culto más importante de la historia del cine. En Argentina quedó prohibida por la censura y se estrenó sin éxito a fines de los ’80 con el título Orgía de horror y locura.
Crazy Mama (EUA, 1975) de Jonathan Demme, c/Cloris Leachman, Stuart Whitman, Ann Sothern, Jim Backus, Donny Most. 82’.
Durante la Gran Depresión, una mujer pierde su granja y ve cómo su marido es asesinado por la policía de los bancos, tratando de defenderla. Un cuarto de siglo más tarde, cuando la dama pierde nuevamente su única propiedad, decide emprender una ejemplar venganza contra el sistema, en compañía de su hija, su nieta y otros cómplices improvisados por el camino. El segundo largometraje de Jonathan Demme fue esta desquiciada y enérgica road movie, producida por la compañía de Roger Corman, ambientada en los ’50, saturada de rock’n’roll e interpretada por un excéntrico reparto que incluyó estrellas del cine clásico en decadencia (Ann Sothern, Stuart Whitman), legendarios actores de carácter (Jim Backus, Dick Miller) y una actriz de culto (Cloris Leachman, la dama enigmática de Bésame mortalmente). Todo ello demuestra que en 1975 Demme estaba más cerca del desparpajo de John Waters que de la corrección política de Filadelfia. Y lo bien que hacía.
La Guerra, la música y nosotros (All This and World War II, EUA-1976) de Susan Winslow. Largometraje documental. 88’.
Esencialmente se trata de un extenso manifiesto sobre la segunda guerra mundial, un “antidocumental”, quizá el primero hecho por la generación que no la vivió pero padeció sus consecuencias geopolíticas. Un abundante material de archivo, que alterna documental y ficción, aparece comentado por covers de varios temas de los Beatles interpretados por, entre otros, Elton John, Keith Moon, Jeff Lynne, The Bee Gees, Rod Stewart, Peter Gabriel y Tina Turner. En la decisión de prescindir de todo relato en off, en el uso desprejuiciado del archivo, y sobre todo en la resignificación del cine patriotero de la época, este film se adelantó tres décadas a mucho cine contemporáneo. Imposible de conseguir en cualquier formato hogareño, se verá en copia nueva adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires.
Los chicos están bien (The Kids Are Alright, EUA-1979) de Jeff Stein, c/The Who. 108’.
Sumando material de archivo con entrevistas, backstage y conciertos contemporáneos, el realizador Jeff Stein compuso uno de los mejores y más entretenidos documentales jamás realizados sobre una banda de rock. El film supuso además un involuntario homenaje al baterista Keith Moon, que murió de una sobredosis poco antes del estreno.
Quadrophenia (Ídem., Gran Bretaña-1979) de Franc Roddam, c/Phil Daniels, Mark Wingett, Philip Davis, Leslie Ash, Sting. 115’.
Corre 1964: mods y rockers, grupos opuestos de adolescentes enardecidos, perturban con su entusiasta violencia las tranquilas costas de la ciudad de Brighton, Inglaterra. En ese contexto, con ayuda de su motocicleta y diversos tipos de pastillas, el joven Jimmy (Phil Daniels) enfrenta a sus padres, trabaja lo mínimo posible y procura acercarse a una muchacha que no le corresponde. A diferencia de Tommy (Ken Russell, 1975), basada también en un disco de The Who, Quadrophenia incorpora las canciones al argumento sin perder de vista el hilo narrativo, que aspira a evocar, a través de la suma de detalles y costumbres, el estado de ánimo de la juventud inglesa que, por extracción social, se quedó afuera del elegante swinging London.
The Blues Brothers (EUA-1880) de John Landis, c/ John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles. 133´.
Los hermanos Jake y Elwood procuran volver a reunir su banda para recaudar un dinero necesario para salvar el asilo en que se criaron. Una interminable sucesión de destrozos a gran escala se alterna con memorables números musicales interpretados por artistas como Aretha Franklin, Ray Charles, John Lee Hooker, Cab Calloway y James Brown en este clásico de culto, tristemente estrenado en Argentina con el título Los hermanos Caradura.
Heavy Metal (Canadá, 1981) de Gerald Potterton. Largometraje de dibujos animados con las voces de Rodger Bumpass, John Candy, Jackie Burroughs, Joe Flaherty, Martin Lavut, Marilyn Lightstone, John Vernon. 86’.
Clásico de la animación adulta, basado en varias historietas aparecidas en la revista homónima y con una banda sonora que hace honor al título. Una idea muy simple une los diferentes episodios: una bola verde, que dice ser la encarnación del mal absoluto, demuestra serlo narrando distintas situaciones en las que se ha visto envuelta. Entre los dibujantes que aportaron sus diseños al film se cuentan Neal Adams, Bernie Wrightson, Richard Corben y el argentino Juan Giménez. Dos episodios fueron escritos por Dan O’Bannon, el creador de Alien.
Christine (Ídem., EUA-1983) de John Carpenter, c/Keith Gordon, John Stockwell, Alexandra Paul, Christine Belford. 111’.
Ésta es una de las películas más subvaloradas de la carrera de John Carpenter. Incluso él mismo reniega de ella, que aceptó luego de haber sido despedido de la Universal -estaba a punto de dirigir Llamas de venganza (Firestarter) que, al igual que Christine, era la adaptación de una novela de Stephen King-, debido al fracaso de crítica y público que significó El enigma de otro mundo (The Thing). Pero si aquella película es considerada hoy como una de sus obras maestras, no puede decirse lo mismo de Christine, que ha sido bastante olvidada. Es una lástima, porque se trata de una excelente película, donde Carpenter logra –como siempre- narrar una historia atrapante y a la vez hacer un gran estudio de personajes. Y Christine tiene además una de las mejores bandas de sonido carpenterianas, que mete miedo por sí sola.
Juan Pablo Martínez.
La ley de la calle (Rumble Fish, EUA-1983) de Francis Ford Coppola, c/Mickey Rourke, Diane Lane, Matt Dillon, Dennis Hopper, Diana Scarwid. 94’.
Pese a encontrarse en el punto más comprometido de toda su carrera, Coppola supo realizar, a partir de un libro de Susan Hinton, una de las pocas películas de los ’80 que puede considerarse ya un clásico. Derrochando carisma como nunca antes o después en su carrera, Mickey Rourke encarnó al simbólico objeto del deseo de toda una generación.
U2: Rattle and Hum (EUA, 1988) de Phil Joanou, c/Bono, The Edge, Adam Clayton, Larry Muller, Jr., B. B. King, Phil Joanou. 99’.
Documental realizado durante el tour homónimo de U2 por Estados Unidos, a fin de 1987. La banda se encontraba en lo que muchos consideran su mejor momento, tras grabar el disco Joshua Tree.
1991: The Year that Punk Broke (EUA-1991) de Dave Markey, c/Mark Arm, Kat Bjelland, Kurt Cobain, Don Fleming, Kim Gordon, Thurston Moore. 99’.
Invitado a una gira por Europa de Sonic Youth, Markey filmó durante diez días los diferentes shows y el backstage con una cámara de súper 8mm. Su amistad con el cantante Thurston Moore –que aquí oficia de maestro de ceremonias- le permitió moverse en un clima relajado. El grupo suena como una topadora en su primera gira importante y es obvio que los músicos eligieron tomar con sarcasmo la atención desmedida que reciben en cada lugar. Lo mismo ocurre con sus teloneros Nirvana, que parecen una banda enérgica y feliz, lejos del aire trágico con que hoy se la recuerda. Lejos de MTV y cerca del espíritu festivo de una home movie, este film es el testimonio definitivo del movimiento grunge. Texto de Fernando Chiappussi.
Austin Powers (EUA-1997) de Jay Roach, c/Mike Myers, Elizabeth Hurley, Michael York, Mimi Rogers, Robert Wagner, Seth Green. 94’.
Invitado a una gira por Europa de Sonic Youth, Markey filmó durante diez días los diferentes shows y el backstage con una cámara de súper 8mm. Su amistad con el cantante Thurston Moore –que aquí oficia de maestro de ceremonias- le permitió moverse en un clima relajado. El grupo suena como una topadora en su primera gira importante y es obvio que los músicos eligieron tomar con sarcasmo la atención desmedida que reciben en cada lugar. Lo mismo ocurre con sus teloneros Nirvana, que parecen una banda enérgica y feliz, lejos del aire trágico con que hoy se la recuerda. Lejos de MTV y cerca del espíritu festivo de una home movie, este film es el testimonio definitivo del movimiento grunge. Texto de Fernando Chiappussi.
Grilla de Programación - Rock’n’roll
Jueves 5
14:00 Maryjane, de Maury Dexter
16:00 Los Monkees
Viernes 6
15:00 The Blues Brothers, de John Landis
Sábado 7
14:00 Los chicos están bien, de Jeff Stein
16:00 Quadrophenia, de Franc Roddam
Domingo 8
14:00 Anochecer de un día agitado, de Richard Lester
16:00 Submarino amarillo, de George Dunning
Jueves 12
14:00 200 moteles, de Frank Zappa
16:00 Maryjane, de Maury Dexter
18:00 La guerra, la música y nosotros, de Susan Winslow
20:00 La ley de la calle, de Francis Ford Coppola
22:00 1991: The Year that Punk Broke, de Dave Markey
Viernes 13
14:00 Los Monkees
16:00 Crazy Mama, de Jonathan Demme
20:00 Austin Powers, de Jay Roach
22:00 Heavy Metal, de Gerald Potterton
Sábado 14
14:30 Crazy Mama, de Jonathan Demme
16:30 Melody, de Waris Hussein
18:30 Anochecer de un día agitado, de Richard Lester
Domingo 15
14:00 Austin Powers, de Jay Roach
16:00 Pajarito Gómez, de Rodolfo Kuhn
17:30 Cream''s Farewell Concert, de Sandy Oliveri y Tony Palmer
22:00 The Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman
Jueves 19
14:00 U2: Rattle & Hum, de Phil Joanou
16:00 Cream''s Farewell Concert, de Sandy Oliveri y Tony Palmer
Viernes 20
14:00 Submarino amarillo, de George Dunning
16:00 La guerra, la música y nosotros, de Susan Winslow
Sábado 21
14:30 Christine, de John Carpenter
16:30 Gira mágica y misteriosa, de The Beatles
Domingo 22
22:00 Melody, de Waris Hussein
Jueves 26
14:00 Gira mágica y misteriosa, de The Beatles
15:00 Stones in the Park, de Leslie Woodhead
16:00 Prisionero del rock, de Richard Torpe
Viernes 27
14:00 Heavy Metal, de Gerald Potterton
16:00 200 moteles, de Frank Zappa
Domingo 29
22:00 The Rocky Horror Picture Show, de Jim Sharman
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